還記得上一張令你印相深刻的專輯封面嗎？上次拿起實體專輯掂掂、閱讀封底推薦又是多久以前的事？2020年是數位串流盛行的第10年，此前早有數位下載風潮衝擊實體唱片銷售，唱片業營收逐年下滑如今也不是什麼新鮮事，即便今年出現一關鍵性指標：33年來CD銷量首度被黑膠超越，兩者仍遠不敵數位串流的龐大商機。種種不符潮流以及市場需求的弱勢下，有人預言CD終將走向滅亡。選在這個時候討論唱片裝幀，無疑是緬懷過去唱片業榮光，但更多是想知道在新時代，我們還有機會擁有像 Peter Saville 與 Joy Division 這樣的夢幻組合？
首先，透明壓克力殼的淘汰，讓紙盒甚至其他媒材得以進入唱片設計，不再單就工業化生產為優先考量，而是朝更精緻、更具收藏性的方式包裝唱片，這點與當代書籍出版的趨勢不謀而合；其次，唱片裝幀做為三維的表現，如今能夠看到更多設計手法運用在包材上，有別於透明殼裝的冷冰，尺寸也早已跳脫公版規格，成為唱片架上獨一無二的存在。
為了更進一步了解台灣當前唱片裝幀的走向，我們訪問了三位設計師：盧翊軒、蔡書瑀以及張溥輝。他們多棲，但大多專注在平面設計領域，風格各異。盧翊軒形容自己的設計受到龐克樂影響，鍾愛那樣編曲簡單、旋律直線的各聲部彼此撞擊，影響他在設計一個案子時能更直面心中感受。好比2018年的作品《天黑請閉眼電視原聲帶》，以摺紙呈現打開專輯卻同時有閉眼效果的互動，簡單的概念、簡單的手法，卻讓人印象深刻。張溥輝則認為唱片設計如同轉譯，若音樂是歌手意志的延伸，或是某一段情緒的記憶，那唱片設計的邏輯也是一樣，只是透過設計師的手將歌曲打碎，重新拼湊起來。
「就像金繕，多少會有點各人喜好在裡面。」
Ｑ：實體唱片有無存在的必要性？為什麼？
張溥輝：我覺得這個就是市場在決定的，既然我沒有辦法去影響，就會變成是心態上的轉變。我的觀察可能會很精緻化，量會變得非常少，限量。
盧翊軒：實體唱片會自己找到市場需求，雖然網路與串流讓實體唱片需求降低，但同樣地唱片也有走向更加精緻化的趨勢，甚至是帶有收藏價值和紀念性，越來越像周邊商品。
蔡書瑀：音樂就像靈魂，像一個沒有軀殼的靈魂，它還是必須要有一個載體包覆著，才會比較完整。數位當然會帶給我們便利性，不用一直換光碟片，可是它會顯得音樂變得太廉價，因為獲取或刪除都太容易了。所以我覺得拿到新的音樂專輯作品出來，實體唱片拆開、拿出歌詞本、光碟，聽音樂的儀式感的過程還是有必要的。
盧翊軒：我很嚮往以前唱片工業蓬勃，很多經典樂團的年代，一支超級樂隊，配上一個簡單的符號、簡單的圖像，現在來看有很多很經典案例可供參考。至於會不會期許自己做出那樣的作品？我認為每個年代做設計的方式都不一樣，以現在資訊媒體對視覺疲勞轟炸的程度，應該是很難再複製了。
Ｑ： 對 Joy Division 的《Unknown Pleasures》封面設計印象是？
張溥輝：我其實對 Joy Division 的音樂沒什麼感覺，但專輯設計很棒。封面設計的工作提供了一個記憶點，這對音樂、歌手來說很重要，流行文化最重要的一點是你有沒有塑造出一個 icon，讓大眾去傳播、讓大眾去記憶。
盧翊軒：我已經忘記第一次看到《Unknown Pleasure》這個畫面的印象，但在開始做設計、看過很多藝術與設計作品後，再回來看這個畫面，會聯想到西洋水墨畫，但會是用比較數位的方式呈現，不過這已經不是第一眼的感覺了。
蔡書瑀：其實我第一次看到這個符號是在一件 t-shirt 上面（笑），我只覺得這個設計師很厲害，想到要用音頻的符號，後來才知道那是天文史上發現的第一顆脈衝星的波文頻率。果然我們人類就是會對這種未知的東西感到莫名崇拜，即便我不知道那是什麼，也覺得好美。
▲由盧翊軒所設計的《天黑請閉眼》與《小美》
Q：如果今天有幸負責 Joy Division 的唱片設計（時空旅行？），你會怎麼做？
張溥輝：我覺得我應該會做不出來，因為怎麼做都不會比現在這個好，任何人都覺得它應該長這樣，這也是平面設計師的夢想。
蔡書瑀：就我所知是鼓手拿著這張圖給設計師說要用，如果是我可能會先問版權有無問題（笑）。另外我覺得圖片本身很完美，跟專輯名稱非常契合。
盧翊軒：如果當年的唱片設計是我，一定是大家的損失。回頭來看，《Unknown Pleasure》這張專輯的設計多少帶點誤打誤撞的感覺，用這種方式執行很令人驚豔，甚至在40年後仍持續帶給我們影響。我是比較理性跟注重邏輯的設計師，我需要找到想傳遞的訊息，而這個訊息在不同時空和狀態都會給出不同的答案。
蔡書瑀：如果鼓手沒有拿這個提案給我，在這前提下，我可能會想要從人類已知用火的那個狀態，看到火這種未知，感到開心喜悅的方向去做。也許是火的圖騰，或是一群人的照片，然後火映照在他們臉孔，最後連結到世界毀滅，就是從誕生到毀滅的過程，感覺跟他們的音樂蠻搭的（一種未知卻又失控的興奮感）。
Q：你覺得紙的價值是什麼？而壓紋紙帶給你最初的印象或記憶又是什麼？
盧翊軒：從工業設計的角度來看，紙是載體，是一個介面，例如我去租借一台自行車，租的操作流程就是一個介面。我認為紙張就是這樣的概念。人在接觸印刷成品時，它可能會帶給你視覺、觸覺上的體驗，有香味的紙張甚至包含了嗅覺。當然介面有分好壞，怎麼去運用就是設計師的課題。
對壓紋紙的最初印象，應該跟大家的經驗相近，就是萊妮紋。它會出現在輸出店、美術社和文具店，且有多種顏色可選，像論文的封面就很常使用。但比起陣列型紋路，我更喜歡自然、不規則的紋路，不過，回到設計師的角度，還是得看需求而定。
蔡書瑀：對我來說，紙是推動歷史的載具，跟實體唱片是一樣的。譬如鈔票、發票都電子化了，即便紙總有一天可能真的會消失，但那種誠意感，紙帶給人的溫度，是冷冰的數位載具不能取代的。
早期我們在做設計時，大多只有銅版紙、模造紙兩種選擇，壓紋映畫紙的出現，等於結合兩者優點，無論印特色甚至金屬色都比一般模造面效果來得好，又不會像銅版紙那樣沒質感。
張溥輝：我自己喜歡萊妮壓紋。我覺得紙沒什麼俗或不俗，只有用對地方。萊妮是一種有親和力的紙張。像設計師郭一樵為台灣剪紙藝術家吳耿禎的作品集《剪花活》，封面就是使用類似萊妮壓紋的紙，搭配內頁選用臺灣常見的色紙，色紙上面又印了金、銀或亮粉紅等色，我就覺得味道很對。
唱片設計中成本通常就決定了成果的走向，所以我習慣把重心放在設計上，選紙擺第二。印刷、紙張、加工都是額外對設計的加分。如果今天把所有的印刷加工拿掉，設計是否會變得平淡？這是我在做專輯設計會很在意的一點。尤其留白比較多的設計與簡陋都是一線之隔，像是這種情況，就會想選有紋路的紙張，或選一個底色不這麼白、帶點灰的紙搭配，讓留白有一些明顯紙張的質地。
▲ 平面設計盧翊軒、蔡書瑀 一起沙發閒聊
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